Смотреть прелюдии любви: Прелюдия к любви (1995) — Всё о фильме, отзывы, рецензии — kiteliberty.ru — Кайт клуб Андрея Антонова, Санкт-Петербург

Содержание

Прелюдия (фильм, 2006) — смотреть онлайн трейлер, описание и список актеров

Очередная короткая зарисовка из жизни влюбленных от Франсуа Озона.
Старший друг Бруно Пьер пытается убедить того, что ожидание – самое лучшее, что может быть в отношениях. В это время Бруно мечется по квартире, так как его пассия Розетт опаздывает в который раз. Но вот Розетт приходит и между влюбленными вспыхивает ссора…

Сюжет

Брюно (Луи Гаррель) бросит Розетту (Ваина Джоканте), если она еще хоть раз опоздает. Точнее, если снова опоздает на 45 минут. Её опоздания стали его наваждением. Их чувства, их близость – всё это болезненно пульсирует каждой минутой, которую Брюно потратил на ожидание. А он ведёт подсчёт и точно знает, какое количество часов за прошедшие месяцы отношений он «убил». Как она может любить его, если совсем не уважает его чувства? Как он сможет жить без неё? Есть ли выход из этой ситуации?

Франсуа Озон – преемник и продолжатель французской кинотрадиции. Делая короткий метр, он, как в 1960-е это делали нововолновцы, снимает лав-стори с очень четкой внутренней логикой. Ему, как режиссёру, интересно задать безукоризненный стиль, и он избирает театральный минимализм, а в качестве центрального образа главной героини задает женский портрет – тот, которому в кинематографе отведено особое место. Начиная с 1920-х женское лицо олицетворяло города, пейзажи, мечты и даже войны. У Озона портрет Розетты – время. Любовь Брюно мучительна, ведь она сопряжена с постоянным ожиданием, а его друг Пьер (Матьё Амальрик) становится медиатором, позволяя зрителям через разговор осознать и дополнить историю смыслами. Возможно, ожидание – это лучшее, что есть в любовных отношениях.

Причины посмотреть

▪ Изящная миниатюра от мастера французского кинематографа Франсуа Озона. Много разговоров, много смысла, и много фантазии, которая стоит за каждым сказанным словом.
▪ Пленительные Луи Гаррель и Ваина Джоканте, а также очаровательный Матьё Амальрик в главных ролях. Все вместе, они составляют блестящее трио в крайне ограниченных декорациях, которые практически исчерпываются одной с половиной комнатой, парой дверей и зеркалами.

Интересные факты

▪ Фильм является экранизацией пьесы «Непонимание» 1943 года Анри де Монтерлана, которая служила прелюдией к основной пьесе на театральном вечере, Франсуа Озон назвал фильм по месту пьесы в театральном представлении, а не по её оригинальному названию.
▪ Будучи экранизацией пьесы, фильм решен в театральной эстетике.
▪ Оператором фильма выступил известный Йорик Ле Со, также работавший с Озоном на его фильме «Бассейн», а впоследствие снявший «Выживут только любовники» для Джима Джармуша.
▪ Премьера фильма состоялась 25 мая 2006 года на Каннском кинофестивале в рамках внеконкурсной программе.
▪ Как правило, короткометражное кино предваряет полнометражные работы и кинематографическое признание режиссёра, Озона и вправду начинал с короткометражек, но и после обретённой им популярности его продолжает интересовать такой формат. Имя Озона позволяет ему набрать в каст самых востребованных французских актёров. На момент съемок Луи Гаррель уже прославился в картине Бертолуччи «Мечтатели», а Ваина Джоканте снялась в «Распутнике» и «Лила говорит». Матьё Амальрик и вовсе человек-оркестр, состоявшийся французский режиссер, сценарист и актёр.

Фредерик Шопен: некоторые факты из жизни гения

Выдающийся польский композитор Фридерик Шопен родился 1 марта (22 февраля по старому стилю) 1810 г. недалеко от Варшавы. В селе, где он жил в детстве и где впоследствии часто проводил лето, Фридерик увлекся народными песнями и танцами. Это увлечение оказало большое влияние на его творчество.

Заниматься музыкой Шопен начал довольно рано. Когда ему было всего восемь лет, он уже концертировал и имел большую популярность в Варшаве. В это время были напечатаны первые его произведения.

В 1826 г. Фридерик поступил в консерваторию по классу композиции. К тому времени он уже был пианистом-виртуозом. Успехи Шопена по композиции были настолько выразительными, что его учитель, выдающийся польский музыкант Эльснер, написал о способности ученика: «Безусловно музыкальный гений».

Осенью 1830 г. композитор уехал сначала в Вену, а вскоре — в Париж. В столице Франции он вынужден был прожить эмигрантом остаток своей жизни, потому что польское восстание 1831 г. навсегда перечеркнуло его надежды вернуться в Варшаву. Эта вынужденная оторванность от родины стала душевной трагедией Шопена и, безусловно, оказала влияние на его творчество. В Париже композитор быстро получил славу. Он много концертировал, его приглашали в салоны парижской знати.

Фридерик Шопен прожил не слишком длинную, но очень яркую жизнь. Свидетельством этому — и те несколько фактов, которые мы предоставляем ниже.

— Еще будучи ребенком, Фридерик привык играть в темноте. Садясь за фортепиано, он непременно гасил свечи. Только так мальчик мог настроиться на нужный лад. Эту привычку он пронес через всю жизнь. Даже играя в гостях, Шопен просил погасить свет в комнате.

— Учась играть, будущий виртуоз очень полюбил некоторые аккорды, но его детские пальцы еще не могли их брать. Тогда мальчик решил растянуть свои пальцы и даже придумал для этого приспособление. Оно наносило достаточно сильную боль. Несмотря на это, юный пианист носил его постоянно, не снимая даже ночью.

— Прислуга, которая жила в доме Шопена, была уверена, что мальчик сошел с ума. По ночам он срывался и бежал к фортепиано, чтобы играть. Уже позже сам Шопен стал жаловаться на здоровье. Великий композитор страдал эпилепсией. Болезнь сопровождалась видениями. К Шопену приходили умершие родственники, а, иногда, другие духи, которые угрожали ему. В одном из своих писем он писал, что увидел в чреве своего фортепиано неких «проклятых тварей».

— В возрасте 10 лет Шопен написал марш, посвященный великому князю Константину, который был напечатан, правда, без имени автора, но несколько раз выполнялся военным оркестром.

— Известное всем произведение «Собачий вальс» тоже написал Шопен. В его любимой Жорж Санд была собачка, с которой писательница любила играть. Однажды женщина сказала, что если бы умела, то обязательно придумала бы песню о своем четвероногом друге. Желание возлюбленной — закон. Шопен составляет замечательный вальс (опус № 64), который друзья и ученики прозвали «Вальс маленькой собачки».

— Композитор был очень чувствительным к приключениям, связанных с женщинами. Так, его помолвка была расторгнута из-за пустяка. Шопен был влюблен в внучку одного знаменитого музыканта и даже думал жениться. Но его чувство подверглось испытанию. Однажды Фридерик пришел в гости к любимой с другом. Девушка предложила другу жениха сесть раньше, чем ему самому. Возмущенный, он не вынес подобной обиды и передумал жениться.

— Однажды Шопен на вопрос, каким словом определяется главное настроение всех его музыкальных произведений ответил, что в его родном языке есть такое слово — «жаль» (zal). И в нем скрыта целая гамма чувств «от жалобы и жалости к ненависти» от «скорби» до «накипающей в глубине сердца неумолимой угрозы» — «жаль» окрашивает все творения композитора.

— Шопен получил громкую славу еще при жизни — перед ним преклонялись артисты, поэты, музыканты (Лист, Шуман, Мендельсон, Берлиоз, Гейне, Мицкевич, Делакруа), выражая публично свое бескрайнее восхищение. Шопен — основной композитор в репертуаре ведущих пианистов мира. Его не устают переиздавать самые большие звукозаписывающие компании, его именем называют аэропорты, улицы городов, небесные светила, музыкальные фестивали и конкурсы.

— Десять лет Шопен страстно любил французскую писательницу Жорж Санд, которая имела независимый, сильный характер. Эпатажная, красивая и талантливая женщина любила шокировать публику (курила трубку, носила мужскую одежду и меняла любовников быстрее чем носовые платки). Они познакомились в Ференца Листа, Санд произвела на нежного, изящного Шопена отталкивающее впечатление: «Какая малоприятная женщина — эта Санд! Да и женщина ли это вообще, я склонен в этом усомниться!», — жаловался он своему другу Листу. Кто бы мог подумать, что через 10 лет разрыв с «малоприятной женщиной» сведет Шопена в могилу.

— Последний год жизни композитор, потрясенный разрывом с Жорж Санд, не мог писать музыку. Письма Шопена к друзьям поражают своей безысходностью: «Я ни беспокоиться, ни радоваться уже не в состоянии — совсем перестал что-либо чувствовать — только прозябаю и жду, чтобы это поскорее закончилось». 16 ноября 1848 г. в Лондоне Фридерик Шопен дал свой последний концерт. Единственное произведение, которое закончил Фридерик перед смертью, была мазурка фа минор, но сыграть ее, обессиленный переживаниями и заостренной болезнью легких, уже не смог. Он лишь записал ее на бумаге, а 17 октября 1849 г. в Париже, в возрасте 39 лет великий польский композитор, пианист-виртуоз, педагог Фридерик Франсуа Шопен умер на руках своей сестры Людвиги.

Мир потерял музыкального гения — автора 2 концертов, 3 сонат, фантазии, 4 баллад, 4 скерцо и бесчисленного количества других музыкальных произведений.

Сказать, что музыкальный мир скорбел — мало. Музыкальный мир рыдал, провожая гения в последний путь. За гробом шли тысячи людей.

И хотя тело осталось на французской земле (кладбище Пер-Лашез), сердце композитора было отдано Родине — оно замуровано в колонну церкви Святого Креста в Варшаве.

В Париже (парк Монсо) в 1906 году было установлено удивительный своей нежной трагичностью мраморный памятник Фридерику Шопену: сидит за пианино композитор, играет похоронный марш; у его ног плачет девушка, закрывает от боли лицо, скорбный ангел посыпает их цветами (см. фото).

Похоронный марш Шопена признан вершиной для произведений этого жанра. Он занял особое место не только в музыке, но и во всей жизни человечества. По мнению музыкантов, совершенное передать чувства скорби на языке звуков просто невозможно.

100 лет на лучших балетных сценах идет «Шопениана». Создатель шедевра — Михаил Фокин. 26-летний хореограф, взяв пять произведений Фридерика Шопена (полонез, ноктюрн, мазурку, тарантеллу и седьмой знаменитый вальс), поставил спектакль для благотворительного вечера в Петербурге, который состоялся в начале прошлого века. В Большом театре под вечную музыку Шопена захватывали публику выдающиеся артисты — Галина Уланова, Наталья Бессмертнова, Екатерина Максимова, Людмила Семеняка, Нина Ананиашвили, Марис Лиепа, Александр Годунов и Алексей Фадеечев.

Шопен писал вальсы в течении своей короткой жизни — этот жанр один из самых любимых в нежного, печального композитора. Первый вальс он написал в 1827 году, ему было 17 лет, а два последних — за год до смерти.
Борис Пастернак так написал о Шопене: «Значение Шопена шире музыки. Его деятельность кажется нам ее вторичным открытием».

В отделе социально-экономической и художественной литературы Научно-технической библиотеки им. Г.И.Денисенка НТУУ «КПИ» (абонемент № 4, пятый этаж библиотеки) сохраняется много интересных литературно-художественных произведений, посвященных истории жизни и творческой деятельности выдающегося польского композитора, и все желающие могут с ними ознакомиться. Перечень изданий предлагаем.

Произведения, посвященные Фридерику Шопену в фонде НТБ НТУУ «КПИ»

1. Брошкевич Ежи. Образ любви: повесть о жизни Фредерика Шопена; Письма Шопена: [пер. с пол.]. — М .: Правда, 1989.

2. Бэлза И.Ф. История польской музыкальной культуры. — М .: Музыка, 1972.
3. Бэлза И.Ф. Шопен. — М .: Наука, 1968.
4. Ивашкевич Я. Шопен. — М .: Музыкальная Украина, 1989.
5. Кремлев Ю. Фридерик Шопен: очерк жизни и творчества. — М .: Музыка, 1971.
6. Пастернак Б.Л. — Саратов: Изд-во Сарат. ун-та, 1990.
7. Соловцов А.А. Фридерик Шопен: жизнь и творчество. — М .: Музгиз, 1956.
8. Фридерик Шопен, 1810-1849. — М .: Музгиз, 1961.
9. Шопен, каким мы его слышим. -М .: Музыка, 1970. — 310 с.
10. Шопен Фридерик, 1810-1849. Письма: [в 2 т.]. — М .: Музыка, 1982-1984.
11. Chopin live in Warsaw, 1810-1830. Fryderyk! Come Back to Warsaw! — Warsaw: [s.l., 2010].
12. Niewiarowska Barbara. Fryderyk Chopin’s Warsaw. — Warsaw: City of Warsaw 2009.

Анна Биднюк, Елена Тарасюк

Танцевальный марафон Сатирикона #ТАНЦЫВИРУС

28 марта 2020 года в Москве введен карантин в связи с угрозой распространения коронавируса. Внезапные выходные — возможно, не самое приятное время, но это не повод грустить и унывать! Мы решили поднять себе и вам настроение и запускаем танцевальный марафон Сатирикона. Наш театр всегда славился уникально-танцующей труппой во главе с худруком Константином Райкиным, поэтому нам есть, что вам показать. Любимая музыка, энергия и ритм — присоединяйтесь! В течение этого месяца будем выкладывать в соцсетях танцевальные фрагменты из спектаклей и программ нашего театра.

****

Начинаем наш марафон 29 марта с музыкальной паузы в телепередаче «Что? Где? Когда?», музыкальное сопровождение — прелюдия Шопена Ми минор в джазовой аранжировке Eugen Cicero. За этот танец в 1984 году Константин Аркадьевич Райкин получил награду — «Хрустальную сову» за лучшую музыкальную паузу за 25 лет существования игры «Что? Где? Когда?» Константин Райкин: «Там было душно! Мне кажется, там и должно было быть душно. Там было душно от таланта, от знания, от энергии, от азарта. Там все были какие-то мокрые, там всех распихивали операторы. Они где-то сновали под ногами, между рук, как-то из-под локтей вылезали, отодвигали яростно любого человека, независимо от его ранга или возраста. Их было много. И все было, повторяю, так здорово организовано, что это мне напоминало какой-то очень зрелищный и местами просто музыкальный спектакль»

Посмотреть эпизод 1 в facebook

****

Улыбнитесь, подтянитесь! 31 марта танцевальный марафон Сатирикона продолжает завораживающий номер Константина Райкина. Фрагмент из фильма «Вместе с Дунаевским», посвященного творчеству композитора Исаака Осиповича Дунаевского. Фильм был снят в 1984 году режиссёром Константином Артюховым по сценарию Михаила Мишина. Номер-попурри начинается под музыку «Песенки о капитане», написанной в 1936 году для кинофильма «Дети капитана Гранта» поэтом Василием Лебедевым-Кумачом и композитором Исааком Дунаевским. Определите, что звучит дальше?

Посмотреть эпизод 2 в facebook

****

Просто скажите, что я люблю её! 1 апреля Танцевальный марафон Сатирикона продолжает номер «Синхронное плавание» из спектакля Константина Райкина 2008 года «Синее чудовище» по волшебной сказке Карло Гоцци. Звучит «Just say I love her» Родольфо Фальво. Танец на водной цирковой арене (читай – в венецианском Гранд-канале на фоне моста Риальто) исполняют четыре традиционные маски итальянской комедии дель арте: Панталоне (Антон Кузнецов), Тарталья (Игорь Гудеев), Труффальдино (Георгий Лежава), Бригелла (Александр Гунькин). Мы надеемся, спектакль вернётся в репертуар с возвращением Сатирикона на свою сцену после реконструкции.

Посмотреть эпизод 3 в facebook

****

2 апреля продолжаем танцевать с Сатириконом под «Le Weekend» Ирмина Шмидта. Сцена «Бал у Капутелетти» из спектакля Константина Райкина «Ромео и Джульетта» в хореогафии Рената Мамина. В спектакле 2012 года сюжет классической пьесы Шекспира развернулся на фоне современных реалий. Вместо бала — костюмированная дискотека с лазерным шоу, американскими горками, боями без правил. В основных ролях — тогдашние студенты Школы-студии МХАТ мастерской Константина Райкина.

Посмотреть эпизод 4 в facebook

****

3 апреля С новыми перспективами и новыми силами мы продолжим радоваться, удивляться и двигаться к новым горизонтам! Актёрская работа Константина Райкина в спектакле Роберта Стуруа «Синьор Тодеро хозяин» (2002) подхватывает Танцевальный марафон Сатирикона. Вас ждёт больше, чем танец! «Этот спектакль – песня Стуруа на слова Гольдони», — говорит Константин Аркадьевич. Ему было интересно сыграть острохарактерную возрастную роль омерзительного старика. Стуруа придумал для Тодеро такой рисунок, который принудил артиста к многочасовым, почти акробатическим тренировкам. Тело Тодеро живет самостоятельной жизнью, не слушается приказаний и то и дело удивляет своего хозяина. То, как он переставлял ноги с помощью клюки, что проделывал своей совершенно самостоятельной и не подчиняющейся ему левой рукой, вызывало восторг и удивление безграничностью человеческих возможностей. Еще Стуруа наградил Тодеро аллергией на цветы, что приводит к приступам уморительного чиха. Он кашляет, хрипит, задыхается, засыпает на полуслове, а потом вдруг начинает бодро вышагивать. Райкин работал виртуозно и недаром за главную роль в этом спектакле был удостоен Государственной премии РФ, премий фонда Станиславского, «Чайка» и «Гвоздь сезона», по опросу театральных критиков был назван лучшим актёром сезона. В спектакле звучит музыка Гиа Канчели.

Посмотреть эпизод 5 в facebook

****

5 апреля. Уникальный танцевальный фрагмент – финал спектакля #Сатирикона 1984 года «Лица» на музыку Георгия Гараняна. Режиссёр постановки Валерий Фокин, автор пьесы – Михаил Мишин, а хореограф – Константин Райкин! Это был первый спектакль нашего театра, тогда еще под художественным руководством Аркадия Райкина, в котором он сам не участвовал. «Лица» были поставлены на молодую группу актёров, которую в театр привёл Константин Райкин. Спектакль сыграли почти 500 раз, он вызывал огромный интерес, в том числе выразительной хореографией, которая на долгие годы стала новой визитной карточкой Сатирикона. Константин Райкин: «Наш спектакль «Лица» готовился 13 месяцев. Музыка и танцы входят в его драматургию. Я считаю, что музыка вообще одно из сильнейших средств воздействия на чувства человека. А танцы – это не танцы в привычном понимании. То, что мы делаем на сцене, – это актерство, положенное на ритм, музыку…» (из интервью «Советской России», 1987)

Посмотреть эпизод 6 в facebook

****

7 апреля в нашем танцевальном марафоне ШАНТЕКЛЕР! Отрывки из передачи об уникальном спектакле Константина Райкина 2001 года. Эту пьесу Эдмона Ростана про птичий двор — прообраз человеческого сообщества худрук Сатирикона поставил спустя 100 лет её полного забвения! И постановочный размах поражал. Занята была почти вся труппа: около 40 человек. Подробно готовились танцевальные и вокальные номера, массовые сцены, было сшито 320 костюмов, выполнено 145 головных уборов, изготовлены трости, декоративные, веера, крылья, элементы китайского цирка и много другой бутафории и реквизита. Героя, предводителя птичьего двора, неотразимого Шантеклера играл Денис Суханов. Без преувеличения, это была его звездная роль, событие театрального сезона. Он был невероятно пластичен, музыкален и трогателен, играя романтического героя и пылкого влюбленного, забияку и гордеца. За роль Шантеклера в числе других работ артист был удостоен Государственной премии РФ.

Сценография — Борис Валуев. Костюмы — Алла Коженкова. Музыка — Илья Хмыз. Хореография — Александр Пепеляев.

Посмотреть эпизод 7 в facebook

****

8 апреля на виртуальной сцене Сатирикона – «Чайка»! Для многих этот спектакль Юрия Бутусова – из любимых, непостижимых и очень ожидаемых. И мы надеемся, что скоро снова сыграем его, и неоднократно! Актриса Марина Дровосекова рассказывает, как появился в спектакле её знаменитый танец и сама, на первый взгляд, нечеховская роль «Девушки, которая танцует»: «Шел второй месяц репетиций. Наш многосложный и бесконечный поиск был в самом разгаре. Текст Антона Павловича уже прочно обосновался в сознании, но его тайные, магические коды все никак не поддавались… Куда мы идем? Чего ищем в хрестоматийной, казалось бы, «Чайке»? Мы успели поменяться ролями раза три — на актерском языке это называется «все перепробовали всех» (все актеры перепробовали все роли), но сакральный смысл, его божественная искра, все никак «не высекались». «Не высекается! Не высекается», — повторял ЮН. После очередной репетиции Юрий Николаевич попросил меня остаться и сказал то, страшнее чего на тот момент и быть не могло: «Не получается у меня в этот раз с тобой… Я не знаю, кто ты в этой истории… Не высекается! Не приходи больше на репетиции». Дальше — неделя тишины, беспощадных душевных мучений.-)))) И вот получаю от ЮН сообщение: «Что-то есть неправильное в этом… Приходи на репетицию, я пока не знаю, кто ты здесь, но без тебя не получается». Это одно из самых дорогих воспоминаний. И вот день первой репетиции. После перерыва я надела одно из самых своих красивых платьев с розами, накрутила волосы и была в очень сильном эмоциональном возбуждении. Как всегда все ходили, пили чай, переставляли местами реквизит, выгородку, болтали, придумывали этюды. ЮН сказал: «Ну, побудь просто здесь, поболтайся на площадке». И как всегда включил музыку из своего огромного и невероятного плейлиста — так сказать, чтобы создать репетиционную атмосферу. Я, сидя на аккордеоне и нанося (не ясно, для чего и зачем) какой-то грим, начала просто двигаться под звучащую музыку…Это был трек «It’s not too late» (T Bone Burnett). Дальше помню плохо, но мне казалось, что я протанцевала без остановки минут 30, а когда закончила, ЮН сказал: «Я не знаю пока? что это будет, зачем, но это просто необходимо в спектакле». Дальше мы продолжали искать мне «место». Главное было не задавать вопросов «кто я», «зачем» и «что я здесь делаю» -)))) Все случилось само собой, благодаря ЮН и его безграничной режиссерской фантазии и чуткости!»

Посмотреть эпизод 8 в facebook

****

Дамы и господа, танцуют Мэкки Нож и Полли Пичем! 9 апреля в нашем виртуальном марафоне — две сцены из сатириконовской «Трехгрошовой оперы» Бертольда Брехта в режиссуре Владимира Машкова. В 1996 году спектакль был одним из самых модных событий сезона и едва ли не самым дорогим театральным проектом в новейшей истории российской драматической сцены, посвящением юбилею основателя Сатирикона, Аркадию Райкину. Под постановку был взят огромный кредит, найдены спонсоры и меценаты, арендовано новейшее светотехническое и звуковое оборудование, сооружён разводящийся металлический мост через всю сцену. Трюки, пиротехнические сюрпризы, исполнительский азарт артистов, сочетание имен авторов и исполнителей — всё работало на успех постановки как сенсации!

Вспоминает Наталия Вдовина (Полли Пичем): «Это была середина 90-х. В театре шли репетиции „Трехгрошовой оперы“. Мы были в предвкушении чего-то значительного. Замечательный для артистов материал. Яркие роли. Много известных зонгов Курта Вайля. Танцы. Взрывы. Веселье. Стрельба. И всё это приправлено харизмой Володи Машкова. У меня был за месяц отрепетирован номер с прекрасным постановщиком иллюзионных трюков Романом Цителашвили, где я была одновременно и фокусницей и клоунессой. Валера Архипов поставил в этой райкинско-машковско-брехтовской стилистике много танцевальных номеров. Несомненно, для нас это был настоящий театральный подарок. Мы приобрели новый звонкий и искрометный спектакль, который, как мне кажется, очень нам шёл. Мы были молоды, легки и открыты любым экспериментам. В „Трёхгрошовой“ была создана реальность, над которой мы смеялись и плакали, и это было очень созвучно времени».

Итак, на сцене Константин Райкин (Мэкки Нож), Наталия Вдовина (Полли Пичем) и Галина Данилова (Люси, дочь шефа лондонской полиции). Музыка Курта Вайля в аранжировке Сергея Бондаренко.

Посмотреть эпизод 9 в facebook

****

10 апреля в нашем лирическом проекте #танцывирус Песню Леля в сцене из спектакля Константина Райкина «Страна любви» исполняет Сергей Сотников. Это был нежный, легкий, невероятно успешный, молодой спектакль, где возраст персонажей пьесы А. Н. Островского «Снегурочка» совпадал с возрастом исполнителей. Первый райкинский курс в Школе-студии МХАТ был уже известен театральной Москве, принятая в репертуар Сатирикона в 2004 году «Страна любви» открывала новый театральный сезон. Студенты Константина Аркадьевича, обучение которых подходило к концу, держали двойной экзамен – перед сатириконовской публикой и перед своими учителями.

Сергей Сотников вспоминает: «Спектакль «Страна любви» стал для нас настоящей школой жизни! На момент начала работы над ним мы учились на 3 курсе. Нас называли «китайским курсом», потому что репетировали с раннего утра до поздней ночи без перерывов и выходных. Для меня этот спектакль – бриллиант! В нем все уникально и неповторимо. Музыка Валеры Чернышева, хореография Валеры Архипова и, конечно же, режиссура Константина Аркадьевича. Райкин как электростанция питал нас, зелёных и неопытных, своим талантом и энергией. Островский оказался очень современным и живым автором. Это был спектакль про нас, про молодых людей ищущих себя. Однажды мне сказали, что я пою под фонограмму: «Невозможно при такой физической активности петь живым звуком!» Конечно мне стало обидно! Все номера я пел «вживую». Тогда мне пришлось применить цирковой трюк: я специально в одном месте делал срыв голоса для контраста. «Страна Любви» – спектакль-прожектор!

Посмотреть эпизод 10 в facebook

****

В честь именин заслуженного артиста России Алексея Якубова, а также в честь Александра Николаевича Островского, которому сегодня, 12 апреля, исполняется 197 лет со дня рождения, в нашем танцевальном марафоне – фрагмент спектакля Константина Райкина по комедии Островского «Доходное место». Танец старого чиновника Акима Акимыча Юсова в спектакле 2009 года исполняет Алексей Якубов!

Константин Райкин: «Поздравляю Алексея Андреевича, дорогого и любимого Лешу, с Днём рождения! Помню и люблю все его актерские работы в Сатириконе, где он один из ведущих артистов, мастер и мэтр… И считаю одной из лучших его работ роль Юсова в «Доходном месте», где он достиг соединения психологической глубины и яркости внешнего рисунка, где проявились многие важные качества его большого дарования. Здоровья и радости!»

Посмотреть эпизод 11 в facebook

****

14 апреля. Лихой танцевальный номер из криминальной сказки Сатирикона 2010 года «Деньги». Обитательница воровского притона (роль исполняет Елизавета Мартинес Карденас) поет пушкинское вступление к поэме «Руслан и Людмила» на шансонный мотив Валерия Чернышёва под разухабистые танцы местной шпаны. Этот спектакль Константин Райкин поставил по пьесе А. Н. Островского «Не было ни гроша, да вдруг алтын». А действие происходило на окраине Москвы 90-х, в гаражах, рядом с которыми то и дело проходят, громко стуча колесами, вагоны поездов, и даже строительный кран становится участником интриги. Те века, что отделяют нас от написания автором пьесы, мало изменили в человеческих нравах – всюду «Деньги».

Елизавета Мартинес-Карденас: «Это был мой первый выпуск после окончания Школы-студии. Было очень интересно наблюдать, как репетируют свои роли ведущие и талантливейшие артисты театра Сатирикон! Я, Женя Абрамова и Полина Шанина вживую исполняли песни (что было очень волнительно), и роли наши назывались «Воровской притон». Самый любимый номер был, наверное, «У Лукоморья». Там участвовало много народу, и всегда происходило что- то интересное)))). А самый сложный номер был, когда мы ходили по крыше спиной вперёд, и при этом надо было ещё и петь… У меня прямо весь Спектакль делился на «до» и «после»))) Я очень люблю этот Спектакль, потому что благодаря ему, получила неоценимый опыт, и у нас была прекрасная компания».

16 апреля в 17.00 с кнопки Онлайн на сайте Сатирикона начнётся онлайн-показ спектакля «Деньги»! Доступ к просмотру будет открыт до конца дня 18 апреля. Присоединяйтесь и следите за нашей виртуальной афишей!

Посмотреть эпизод 12 в facebook

****

15 апреля в честь Дня рождения «Чайки» — ключевая сцена Танца в спектакле. Юрий Бутусов вспоминает о начале работы: «Чайка» — великая пьеса, затрагивающая самые глубокие человеческие струны. В ней много интимного, связанного с личными переживаниями. Каждый, кто берется за ее постановку, находит то, что связано с ним самим. В первую очередь, конечно, меня привлекли темы творчества, служения искусству, тема театра, как существа, пожирающего людей и перемалывающего судьбы… Спектакль посвящен памяти артистки Валентины Караваевой. В 1943 году она снялась в фильме «Машенька» и сразу стала звездой, но вскоре с ней случилось несчастье. Она попала в автомобильную катастрофу. Водитель погиб, а у нее на всю жизнь осталось изуродованное шрамом лицо. В последние годы она в крохотной старой хрущевке сама с собой репетировала «Чайку» и сама себя снимала на кинокамеру. Она умерла в семьдесят шесть лет. Ее обнаружили через неделю. Она лежала на кухне, закутанная в кинопленку. Кинопроектор доработал и упал на нее, уже мертвую… Эта невероятная история меня поразила и послужила толчком для создания спектакля… Для меня «Чайка» — рассказ не о людях XIX или начала XX веков, а о нас, о тех людях, которые создавали спектакль. Чеховские герои пересекаются с нашими личными жизнями, судьбами, поэтому перетекание одного человека в другого мне кажется принципиально важным. Это касается не только «Чайки», но и других моих спектаклей. Замена (иногда подмена) одного человека другим, двойственность человека — вещи, которые я изучаю. В этом спектакле все это есть. Я и сам в нем участвую.» /из интервью Thereklama.com/

Музыка: Gov’t Mule «Reblow Your Mind

Посмотреть эпизод 13 в facebook

****

21 апреля — ария Ленского из оперы «Евгений Онегин» в переложении театра «Сатирикон» из спектакля «Азбука артиста». Уникальный фрагмент капустника 2009 года к 70-летию Сатирикона. Внимание, нюанс: в момент съемки этого фрагмента оператор моргнул :)) , поэтому в кадр попали не все артисты сразу.

Участники: Константин Райкин, Сергей Сотников, Антон Егоров, Артём Осипов, Сергей Громов, Марина Дровосекова. «Азбука артиста» — это класс-концерт 2006 года, который Константин Райкин поставил с тогдашними молодыми артистами. Они показывали этюды и наблюдения, разыгрывали сценки, исполняли музыкальные номера, а Константин Аркадьевич как бы дирижировал происходящим, делится своими воспоминаниями, читал стихи.

Посмотреть эпизод 14 в facebook

****

23 апреля в нашем проекте —обратный стриптиз! В спектакле с понятными именами героев — Ваня, Соня, Маша — есть неожиданный — Гвоздь (в американском оригинале — Spike). Делимся сценой «с ярким выходом» этого персонажа в постановке Константина Райкина «Ваня и Соня и Маша и Гвоздь». Обаятельный молодой человек подумывает быть артистом. Его роль в Сатириконе играют в очередь два актёра: Никита Смольянинов, которого вы видите в кадре, и Илья Денискин, который вспоминает о своих ощущениях на репетициях: «До самого последнего момента мне казалось, что это очень не смешно, а вообще глупо. А самым ужасным было — когда ты в самом начале стриптиза стоишь на этих двух стульях во время репетиций, и уже танцуешь. А перед тобой сидит твой художественный руководитель. Один. И очень-очень серьезно смотрит на тебя. И твои коллеги очень серьезно на тебя смотрят. И в этот момент по телу пробегает ужасная дрожь. Очень неловко! И то же самое — первые прогоны на сцене, ещё без зрителей. Константин Аркадьевич сидит в пустом зале с микрофоном и за этим наблюдает. До конца мне казалось, что это несмешно. Но как только пришли первые зрители, стало понятно, что мои опасения не подтвердились!»

Посмотреть эпизод 15 в facebook

****

26 апреля в честь юбилея Григория Сиятвинды в проекте #танцывирус – несколько блестящих номеров из спектакля Юрия Бутусова «Макбетт» Эжена Ионеско. В заглавной роли – Григорий Сиятвинда! Сатириконовская постановка 2002 года была московским дебютом Юрия Бутусова, который выбрал пьесу, никогда раньше не ставившуюся в России, и воплотил её в ранге «одного из лучших спектаклей сезона», спектакля-фарса, спектакля-аттракциона! «Макбетта» любили и исполнители, и критики, которые в рецензиях писали: «спектакль энергичный, размашистый, озорной, отчаянно ироничный и, в то же время, глубокий, тонкий и лиричный». Любили его и зрители. Образовался целый клан поклонников «Макбетта», которые однажды спасли его, написав коллективное письмо Константину Аркадьевичу Райкину с просьбой продлить жизнь спектакля на сцене театра. Юрий Бутусов: «Внешне «Макбет» как будто связан с какими-то политическими реалиями. Но это обманка… Мне кажется, Ионеско писал о том, как человек стремится вырваться за пределы своей предопределенности. До тех пор, пока он пытается сделать это, он жив».

Посмотреть эпизод 16 в facebook

****

От Гибралтара до Пешавара! 27 апреля в нашем марафоне — «Солдатская песня» — ещё одна сцена из сатириконовской «Трехгрошовой оперы» Бертольда Брехта в постановке Владимира Машкова 1996 года. Зонги Курта Вайля в аранжировке Сергея Бондаренко. Танцы, взрывы, веселье, стрельба. На сцене: Константин Райкин, Фёдор Добронравов, Наталия Вдовина, Алексей Якубов, Сергей Зарубин, Константин Лавроненко, Леонид Тимцуник, Александр Корженков, Константин Хабенский! Владимир Машков: «Я очень люблю театр положительной агрессии: когда с первой секунды действия зритель получает большой энергетический заряд и на протяжении всего спектакля участвует в происходящем всем своим организмом. Люблю театр, в котором работают не мозги, а чувства. Когда зритель боится, сочувствует, испытывает моменты счастья».

Посмотреть эпизод 17 в facebook

****

«А я смогу, а я упрямый!» Комедия дель-арте и одновременно хит советского периода «Труффальдино из Бергамо» с Константином Райкиным в заглавной роли — 3 мая в нашем танцевальном марафоне! Этот знаменитый фильм Владимира Воробьева 1976 года, экранизация пьесы Карло Гольдони «Слуга двух господ», поставлен как театрализованная венецианская музыкальная комедия. Композитор Александр Колкер, автор песен Ким Рыжов, вокальные партии Труффальдино исполнил Михаил Боярский. Константин Райкин: «Этот фильм в свое время сделал меня очень известным. Но все мои творческие интересы и пристрастия всё равно всегда были в театре».

Посмотреть эпизод 18 в facebook

****

Сцена из спектакля «Мой папа — Питер Пэн» 4 мая в нашем танцевальном марафоне. Лучшие времена настанут (!), и мы увидим её в реале на сцене — спектакль в репертуаре! Актриса Алина Доценко в роли Мальчика Дани танцует под «Shutter Island» канадской певицы Джесси Рейес. Хореограф Александр Николаев. Художник Денис Сазонов. Режиссёр спектакля Надя Кубайлат. Алина Доценко: «На выпуске спектакля, когда мы придумывали танец, я неудачно упала с поддержки и сломала руку в двух местах. Это было не очень удобно, так как в спектакле мне нужно было играть на музыкальных инструментах и танцевать. Встал вопрос, может стоит перенести премьеру?.. Но этого никому не хотелось, и мы подумали, поразмышляли, что-то заменили и сыграли премьеру с гипсом) Позже, когда рука зажила, мы решили оставить гипс как неотъемлемую часть Дани.)»

Посмотреть эпизод 19 в facebook

****

5 мая. Песня «По муромской дорожке». Исполняют Марина Иванова и Фёдор Добронравов. Уникальные кадры спектактакля «Шоу-Сатирикон» 1994 года, режиссёры постановки: Александр Горбань, Владимир Большов. Рассказывает Марина Иванова: «Начиналось всё с того, что я очень хотела попасть в эту команду, в эту компанию спектакля «Шоу-Сатирикон», который состоял из разных «капустнических» номеров. А у меня ничего не было. И вот Саша Горбань и Володя Большов мне говорят: «Ну, что ты можешь предложить?» А я говорю: «Вот у меня дедушка очень любил песню «По муромской дорожке». — Ну и что? Ну, спой!

Я спела и помню, что они сказали, ну что нам с этим делать? А давай Федю Добронравова на сцену к ней пустим, давай ей шаль дадим. А потом уже возник образ этой уборщицы, которой я была в самом начале спектакля – женщиной, которая выходила случайно в зал со шваброй, где все артисты плясали, и я бросала швабру и начинала танцевать вместе с ними как персонаж их спектакля. И затем появлялась в нашем номере в этом же халате, в этом же платке. Платье мне придумал Сережа Зарубин, за два дня он его сшил. Что касается Феди Добронравова, я же никогда не видела этот номер со стороны, я его на этой записи сейчас увидела впервые! Это феноменально – как работал тогда Добронравов! Это очень смешно! Поэтому для меня это всё потрясающее впечатление. Как будто вернулась на 25 лет назад!»

Посмотреть эпизод 20 в facebook

****

12 мая. Па-де-де из балета Л. Минкуса «Дон Кихот» в исполнении заслуженных артистов России Сергея Зарубина и Алексея Якубова. Это финал спектакля «Шоу-Сатирикон» 1994 года. Рассказывает Алексей Якубов: «Репетиций как таковых не было! Этот номер возник спонтанно на каком-то очередном капустнике, как впрочем, и все номера из этого спектакля. Оказалось, что легендарный костюмер Аркадия Райкина Зинаида Ниловна Зайцева в свое время тоже примерно такой номер танцевала с каким-то артистом на капустнике перед Аркадием Райкиным. При всей кажущейся легкости, для нас с Сережкой этот номер был очень тяжелым. Мы буквально умирали. Но с удовольствием играли этот спектакль! Объездили с ним весь мир! Хорошие были времена!»

Посмотреть эпизод 21 в facebook

****

13 мая. «Je suis malade». Уникальный фрагмент спектакля «Служанки» первого состава! «Сатирикон», 1988 год. На сцене Константин Райкин (Соланж), Александр Зуев (Мадам), Николай Добрынин (Клер), Сергей Зарубин (Месье). Звучит суперхит ХХ века «Je suis malade» Сержа Ламы (музыка Алисы Дона) в исполнении Далиды. Сергей Зарубин: «Надо понимать, что шел 1988 год — у нас не было ничего! Все костюмы шили из подкладочной ткани, боа Мадам сделали из сетки, выдернув продольные нитки, шубу сшили из мешков — наклеили кусочки меха на ткань. Весила эта шуба, как трехстворчатый шкаф — если ее как следует раскрутить в танце, она могла унести в зал! Балетный станок варили чуть ли не из водопроводных труб, случайно нашли пластик, который не ломался под ногами, и выстлали им сцену…» В итоге был создан спектакль — легенда, спектакль — триумфатор, покоривший страну и весь мир! Режиссёр — Роман Виктюк, художник — Алла Коженкова, пластика — Валентин Гнеушев, танцевальные номера ставила Алла Сигалова.

Посмотреть эпизод 22 в facebook

****

15 мая делимся ещё одним эксклюзивным видео-эпизодом из нашего спектакля «Страна любви» по пьесе А. Н. Островского «Снегурочка». Это музыкальный финал сказочной истории, случившейся в Берендеевом царстве, гимн Яриле — Солнцу на сцене «Сатирикона». Постановка Константина Райкина 2004 года в жанре «драма-игра с музыкой, песнями и танцами» была примером одного из очень немногих удачных воплощений этой поэтической сказки не на оперной или балетной сцене, а в драматическом театре. Композитор Валерий Чернышёв.

Посмотреть эпизод 23 в facebook

****

Здесь нет музыки и танцев, но это выглядит как танец и звучит как музыка. Особенно, на фоне нашей мечты и мольбы о скорейшем завершении пандемии, открытии парков, кафе, музеев, границ между странами, когда до нуля упадет грозная статистика и можно будет вдохнуть и отправиться на какой-нибудь условный Монпарнас, и целый день кочевать из кафе в бистро, нигде не засиживаясь. И в конце концов, можно будет прийти в Сатирикон! Европейские страны потихоньку оживают, проходят первые фазы выхода из карантина, уже есть очереди на предварительный заказ в рестораны, которые вот-вот откроются. А значит, всё пройдёт и в России, и в Москве! 18 мая в нашей рубрике – фрагмент спектакля Константина Райкина «Кухня». Премьера 2014 года по пьесе Арнольда Уэскера была очень густонаселенным спектаклем с элементами шоу и неистовым, бешеным ритмом. Он был необходимым условием для сверкающей, гудящей, перестукивающейся, звенящей атмосферы многоголосой кухни этого большого ресторана на сцене Сатирикона, зал которого был полон!

Посмотреть эпизод 24 в facebook

****

Первый исполнитель роли Месье в спектакле «Служанки» и сегодняшний именинник заслуженный артист России Сергей Зарубин! 23 мая наша рубрика посвящена Сергею Михайловичу и легендарным «Служанкам» первого состава в Сатириконе 1888 года! А этот номер был исполнен в 2018 году, на 30-летии спектакля в Театре Романа Виктюка. Звучат Peggy Lee «Johnny Guitar» и Jenifer Rush «Nobody Move». Рассказывает Сергей Зарубин: «Перед этим событием мне позвонил Роман Григорьевич Виктюк и попросил меня, как одного из первых исполнителей, поздравить спектакль с юбилеем. Долго думал, как это сделать. Просто выйти и что-то сказать — не интересно. И зная, что в „Служанках“ Театра Романа Виктюка другой танцевальный финал, не тот, который был у нас в „Сатириконе“, я решил взять для поздравления свой номер из нашего варианта спектакля в постановке Аллы Сигаловой. Около двух недель вспоминал и репетировал танец по видео ужасного качества. Было трудно — прошло столько времени! В день юбилея договорился с актёрами и службами театра и вышел на сцену прямо во время финала самого спектакля… Очень волновался, но, надеюсь, что всё получилось не хуже, чем 30 лет назад!»

Посмотретьэпизод 25 в facebook

****

Для всех, кто сидит дома и уже иногда переходит границу меццо-форте. 26 мая. Фрагмент спектакля Сатирикона 2000 года «Контрабас», имевшего грандиозный успех. Константин Райкин за эту роль был награжден премией «Золотая Маска» и Государственной премией РФ. Режиссёр-постановщик Елена Невежина, художники Мария Данилова и Владимир Максимов, художник по свету Анатолий Кузнецов, музыкальные консультанты Артём Агажанов и Сергей Корниенко, звукорежиссёр Сергей Лебедев. Константин Райкин: «Мы играли этот спектакль двенадцать лет. Это очень долго для нашего театра. Я сыграл около 300 спектаклей. Мы провезли его по разным странам и городам. Он дважды был в США, в Канаде, в Германии, в Израиле, в Финляндии, в Бельгии, в Голландии, в Украине, в Латвии, в Эстонии, в Белоруссии, проехал множество российских городов… Я сейчас смотрю на эту работу и испытываю большое волнение от масштаба содеянного, как ни нескромно это бы не звучало. Эту монопьесу играли многие актеры мира, но, как выяснилось, только я играл её на большой сцене на тысячную, а иногда и бОльшую аудиторию. Конечно, в этом была наша недюжинная смелость». Понравился фрагмент? Так, когда умер Гёте?

Посмотреть эпизод 26 в facebook

****

3 июня. «…Я к ней пробьюсь и посмотрю в упор. Любил ли я хоть раз до этих пор?» Сцена бала у Капулетти из спектакля «Ромео и Джульетта» 1995 года. Одна из первых режиссёрских работ Константина Райкина в Сатириконе. Шекспир. Великолепный актерский состав. Панорама прекрасного итальянского города-мечты и юная всепоглощающая любовь такой мощи и жерственности, которая сразу захватывала и наэлектризовывала зал. Звучит «Casanova» Жана Пьера Ревербери и Лауры Джордано. Константин Райкин вспоминает: «Это было моё первое обращение к великой пьесе „Ромео и Джульетта“. Произошло это двадцать пять лет назад. С волнением смотрю на игру нынешних мастеров, а тогда ещё очень молодых и трепетных Наталию Вдовину и Александра Коручекова. На сценографию Бориса Валуева, костюмы Марии Даниловой. На свою простодушную режиссуру. На душе теплеет…»

Посмотреть эпизод 27 в facebook

форшпиль — это… Что такое форшпиль?

форшпиль — сущ., кол во синонимов: 2 • прелюдия (6) • увертюра (4) Словарь синонимов ASIS. В.Н. Тришин. 2013 … Словарь синонимов

форшпиль — (нем. Vorspiel), предварительные ласки, к рыми обмениваются партнёры перед началом полового акта. Важный психологический фактор сексуальной гармонии, имеющий особое значение для женщины. В англ. литературе понятие Ф. передается как preliminary… … Сексологическая энциклопедия

Форшпиль — м. Вступление к музыкальному произведению; прелюдия, увертюра. Толковый словарь Ефремовой. Т. Ф. Ефремова. 2000 … Современный толковый словарь русского языка Ефремовой

ласки подготовительные — (син.: ласки предварительные, форшпиль) сексуальные действия (объятия, поцелуи) и высказывания, имеющие целью достижение обоими партнерами психологической и физиологической готовности к проведению полноценного полового акта … Большой медицинский словарь

Ла́ски подготови́тельные — (син.: ласки предварительные, форшпиль) сексуальные действия (объятия, поцелуи) и высказывания, имеющие целью достижение обоими партнерами психологической и физиологической готовности к проведению полноценного полового акта … Медицинская энциклопедия

ласка — чувственное проявление нежности, любви. см.: форшпиль; нахшпиль. (Источник: Словарь сексуальных терминов) … Сексологическая энциклопедия

нахшпиль — (нем.), ласки, к рыми обмениваются партнёры после завершения полового акта. Важный психологический фактор сексуальной гармонии. ср.: форшпиль. (Источник: Словарь сексуальных терминов) … Сексологическая энциклопедия

эмоционально-эрогенная подготовка — то же, что форшпиль. (Источник: Словарь сексуальных терминов) … Сексологическая энциклопедия

прелюдия — См. начало без прелюдий… Словарь русских синонимов и сходных по смыслу выражений. под. ред. Н. Абрамова, М.: Русские словари, 1999. прелюдия предисловие, вступление, пьеса, прелюд, начало Словарь русских синонимов … Словарь синонимов

увертюра — См … Словарь синонимов

Журнал Театр. • От Версаля до Луны

Одеть артистов в исторические костюмы и посадить в оркестровую яму музыкантов с аутентичными инструментами — этого недостаточно, чтобы воскресить старинную оперу. Театр. рассказывает, как режиссер Бенжамен Лазар реконструирует барочные произведения во Франции. И не только барочные.

Имя французского режиссера и актера Бенжамена Лазара прозвучало у нас в связи с постановкой оперы Жана-Батиста Люлли «Фаэтон», совместного проекта Пермского театра оперы и балета и Королевской оперы Версаля. В марте 2018 года премьеру сыграли в Перми, а спустя два месяца в самом Версале. Ставить «Фаэтона» Лазар прибыл вместе со своим давним и постоянным партнером Венсаном Дюместром и его ансамблем Le Poème Harmonique. Но если Дюместра, выдающегося музыканта-аутентиста, специалиста по барочной музыке, в последние годы регулярно выступающего в России, у нас прекрасно знают и любят, то Лазар, режиссер во многом уникальный, по‑прежнему малоизвестен. И «Фаэтон», объединивший усилия музыкантов и вокалистов из Le Poème Harmonique и ансамбля Теодора Курентзиса MusicAeterna, похоже, не сильно изменил эту ситуацию.

Бенжамен Лазар родился в 1977 году в семье высокопоставленного функционера, окончил престижный парижский лицей Фенелона, а затем актерскую школу Клода Матье. Учась в лицее, он занимался в мастерской Эжена Грина, режиссера-экспериментатора, знатока театра XVII века. В 1970‑е на волне повального увлечения аутентизмом в музыке и танце Грин погрузился в реконструкцию принципов барочной декламации и жестикуляции. Основываясь на ученых трактатах, живописи и скульптуре, он отчасти восстановил, а отчасти разработал свою систему произношения, интонирования и жеста^[1]. В отличие от тела в ренессансном искусстве, пребывающего в покое и симметрии, барочное тело, считает Грин, напряжено и неуравновешено, сквозь него проходят потоки энергии. Потому в театре, наивысшем достижении XVII века, тело находилось в постоянном движении и было неразрывно связано со словом, причем жест слову предшествовал, его визуализировал, пояснял, облегчая зрителю восприятие. Так, например, понятиям «земля», «небо», «государь», чувствам «любовь», «гнев», «повелевать», «говорить искренне» предпослан определенный жест. Однако он не прикладывается к слову механически, у актера всегда остается свобода выбора, свобода интерпретации произносимого текста.

Этот принцип Лазар крепко усвоит и, применяя в опере и драме, каждый раз будет изобретать и разнообразить жестовый язык. Усвоит он и интерес учителя к нехрестоматийным, нетеатральным текстам «золотого века»: прозе Сирано де Бержерака, Теофиля де Вио, испанца Франсиско Кеведо, то есть к XVII веку в его темном, фантасмагорическом, именно барочном, а не классицистском изводе. Берясь за оперу, Лазар будет выбирать такие гибридные формы, где смешиваются разные жанры и регистры: комедию-балет Мольера — Люлли «Мещанин во дворянстве», «Кадма и Гермиону» Люлли — кино с причудливыми переходами от комического к героическому и лирическому или «Святого Алексия» раннебарочного итальянского композитора Стефано Ланди — наполовину мистерию с гротескными чертями и ангельским хором мальчиков, наполовину комедию дель арте с похабными дзанни в масках. Даже обращаясь к XIX веку, что в последние годы случается все чаще, режиссер следует вкусу к таинственности, ночной изнанке жизни и фантастическим преувеличениям — ставит «Песни Мальдорора» Лотреамона и «Пеллеаса и Мелизанду» Дебюсси. А в свой самый значительный спектакль 2010‑х годов, «Травиату» Верди, он привносит атмосферу парижских притонов, туман опиумных салонов эпохи Теофиля Готье и тягостное предчувствие смерти и разложения.

Идет ли речь об ученой реконструкции старинного спектакля или о постановке более позднего произведения, Лазару свойственно любование ушедшей эпохой, ее языком, ее странностью, он не приближает ее к нам, но очуждает и эстетизирует. Он собирает коллекцию курьезов, и его театр в чем‑то похож на кунсткамеру, но только не на музей, потому что за канувшими в Лету формами режиссер раскрывает живые, страстные чувства.

Свой первый большой спектакль, совместную работу с Le Poème Harmonique, Лазар выпустил в 2004 году. Это был «Мещанин во дворянстве» в том виде, в каком сочинили эту комедию-балет Мольер и Люлли, то есть с полным набором музыкальных и танцевальных номеров. Сам он сыграл в нем роли Учителя философии и юного влюбленного Клеонта. Спектакль имел большой успех, вскоре вышел на DVD и до сих пор считается образцовой реконструкцией. Сцену освещало триста свечей, установленных вдоль рампы и дающих особый золотистый мерцающий свет, яркий на авансцене и приглушенный в глубине, — Лазар стремился воссоздать световые эффекты картин Караваджо. Свечное освещение определяет мизансцены, заставляя говорящих персонажей выходить вперед и разворачиваться к зрителю даже во время диалога. Актеры декламируют текст нараспев, утрированно благородными или комическими голосами, с причудливыми модуляциями и акцентом XVII века, когда все написанные в слове буквы произносились^[2]. Схожее интонирование слышно в вокальных и инструментальных партиях, и эта перекличка голосов, музыкальная просодия, рождающаяся из сценической речи и подхватываемая инструментами, — то, что занимает режиссера во всех его спектаклях. «Работа над исполнением вокального текста с певцами опиралась на наш опыт барочной декламации в драматическом театре»^[3]. Взаимопонимание между режиссером и дирижером играет тут ключевую роль.

Жестикуляцию и мимику Лазар и его актеры искали на современных Мольеру картинах, считая, что многие изображения того времени можно воспринимать как застывшие театральные сценки. Жест каждый раз акцентирует самое значимое слово в предложении. В комедии к устойчивым знакам чувств добавляется множество знаков для явлений низкого, телесного регистра: деньги, запах пищи, узкие чулки, пощекотать, поколотить и т. п. Родовая связь с комедией дель арте и фарсом ощущается здесь каждую секунду. С непривычки единая для всех персонажей риторика жестов и манера речи производит впечатление четко работающего механизма. Но ведь и барочная музыка для неискушенного уха мало чем отличается от заводной табакерки. Однако вскоре за жесткой формой начинаешь видеть различия, филигранную работу с нюансами и настоящий темперамент. Под конец же, искренне отсмеявшись над давно знакомыми шутками, клюнув на все крючки, ничуть не заржавевшие за 350 лет, уже не понимаешь, как можно играть Мольера иначе. «Мещанин во дворянстве», каждая фраза в нем, конечно, были рассчитаны именно на такую игру — масочную, жестовую, музыкально-ритмичную. И нужно хорошенько остыть, чтобы, так уж и быть, признать право режиссерского театра ставить эту пьесу иначе, прописывая в ней собственные сюжеты. Однако эффект погружения в легендарное дорежиссерское прошлое обманчив, в удачной реконструкции скрыта большая работа и целенаправленная воля создателей.

Бенжамен Лазар задал всей команде задачу добиваться la sprezzatura, элегантности — идея, перекочевавшая на французскую сцену с итальянской. Этим словом обозначали обязательное для XVII века требование к исполнителю всегда, как бы замысловато орнаментирована ни была его партия, оставаться непринужденным. В спектакле Лазара — Дюместра и актеры, и певцы, и танцоры удивительно элегантны. Клер Лефийятр, знаменитое барочное сопрано, щедро расцвечивает свои арии украшениями. Учитель танцев (Александра Рюбнер) и учитель музыки (Жюльен Любек), азартно споря, чье искусство важней, с легкостью совершают невероятные па. Маркиза Доримена (Анн Леду), недосягаемая и вожделенная для Журдена, щебечет и заливается на высоте флейты пикколо. Сам Лазар, изящный и пылкий Клеонт с отточенными движениями и комично-надменный турецкий царевич в шутовской сцене посвящения Журдена в мамамуши, становится совершенно неузнаваем в гротескной роли носатого педанта-философа. Постоянно переодеваются, играя по несколько ролей, все актеры.

Тем нелепей выглядят на фоне остальных старательный, но катастрофически неуклюжий толстячок господин Журден (Оливье Мартан Сальван) и его неумолимая деревяшка-жена (ее играет актер Николя Виаль). Тема пьесы — комическое безумие торговца, притязающего на аристократический статус, — раскрыта не только в ситуациях и словах, но и в пластике. Журден физически слеплен из другого теста, он не способен обучиться ни пению, ни танцам, ни фехтованию, ни обхождению, ни изящному юмору, присущим дворянину. Интермедии Люлли, это торжество придворных искусств, работают именно на такой смысл — каждый сверчок знай свой шесток. Самый что ни на есть аутентичный, как бы мы к этому сегодня ни относились.

Моноспектакль по роману Сирано де Бержерака «Иной свет, или государства и империи Луны» (1619) Лазар поставил и сам сыграл в 2008 году в парижском театре «Атеней», а осенью 2019‑го там же возобновил. Сирано, прославленный в веках благодаря пьесе Ростана, был великим насмешником, фантазером и эрудитом. А также — и об этом Ростан умалчивает — одним из главных безбожников своего века. Герой его романа путешествует на Луну и оказывается в Новой Франции, мире, вывернутом наизнанку. Его обитатели почитают не стариков, а молодых, софистов считают безумцами, а мнение ученого ставят не выше, чем благоразумного работяги. Лунная знать разговаривает музыкальными звуками, а плебс — движениями тела, книги у них похожи на часовой механизм, их слушают, а не читают, и потому это можно делать на ходу (sic!), питаются все исключительно испарениями пищи, а овощи принимают за одушевленные существа и т. д. Героя на Луне сажают в клетку, приняв за самку невиданной зверушки, и для размножения подселяют к нему самца — испанца в огромном воротнике, тоже каким‑то чудом попавшего в эти края. Причудливые вымыслы Сирано, едкие выпады против современников, рискованная философская полемика — все это подано с невозмутимой галантностью.

В зазоре между формой и смыслом этого текста Лазар вскрывает богатую театральность и находит отличный материал для своих декламационных и жестовых экспериментов. Для начала он перекраивает роман, облегчая его риторическую и ученую избыточность. Остаются яркие сценки приключений и смешные диалоги: с лунными вельможами, с местным материалистом-либертеном, с духом Сократа и даже с кочаном капусты. Во всем этом немало безумия, гораздо больше, чем в сатирическом «Гулливере» у Свифта, который многим обязан этому сочинению де Бержерака.

Актеру аккомпанируют два музыканта из ансамбля La Rêveuse. Музыка здесь не только саундтрек, она встроена в действие как живой персонаж, она откликается на слова и реагирует на происходящее. Инструменты — лютня, теорба, виола — развешаны здесь же. Неяркое свечное освещение, игра теней на стене, деревянная стремянка и старинная конторка — вот и вся декорация таинственного лунного мира, остальное зрителям предстоит довообразить. В черном костюме XVII века актер едва различим в окружающей темноте, но подсвечник, который он то берет, то ставит на конторку, выхватывает лицо и кисти рук, необычайно подвижные и выразительные. Подсветить тот или иной фрагмент лица и оставить в тени все остальное — главный эффект любимых Лазаром свечей, разработанный здесь до мелочей. Мимический дар актера заставляет вспомнить знаменитых французских мимов, особенно Жана-Луи Барро в роли Батиста. Но если в пантомимах Барро у его романтического Пьеро движения мягкие, со скругленными линиями, то реконструированная барочная пластика жесткая, угловатая, графичная, и тело здесь всегда развернуто фронтально. Перед нами человек Нового времени с его идеей творения как механизма, запущенного Богом-часовщиком.

Лицо — смена масок: достоинство, изумление, брезгливость, испуг, жалобная мина капусты. И коронный номер — беседа лунных жителей при помощи шевеления телом. Эти гримасы никогда не превращаются в гримасничанье. Видимо, дело тут в той самой старинной la sprezzatura, непринужденности исполнителя (при немалой технической сложности спектакля) и его чувстве меры. «Нет, — отвечает Лазар на вопрос журналистки об актуализации, — я не стремился найти у Сирано ни гомосексуальной, ни вегетарианской темы. В старинном произведении мне интересно понять его изначальный смысл, а не искать сближений с сегодняшним днем. Интересно, когда явление из другой исторической эпохи создает иную, далекую от нашей повседневности реальность»^[4].

В спектакле «Травиата. Вы заслуживаете лучшего будущего», выпущенном в 2016 году в театре Буфф дю Нор, XVII век сменяется XIX. Эпоху, когда жили герои оперы, 1840‑е годы, Лазар по‑прежнему исследует с университетской доскональностью. Но другое время требует другого почерка: «Травиата» полна настоящей страсти, джазовой свободы, музыкальных и драматургических вольностей по отношению к оригиналу. Здесь чувство исторической дистанции с происходящим на сцене напрочь исчезает.

Наоборот, главным становится интимность, благодаря которой заигранный, полный мелодраматических условностей сюжет трогает как в первый раз. Марина Давыдова говорит, что Дмитрий Черняков убивает оперу, чтобы затем ее воскресить^[5]. Бенжамен Лазар тоже по‑своему убивает, чтобы вдохнуть жизнь: внедряет фрагменты из «Дамы с камелиями» Дюма-сына, вставляет документы, актерские импровизации и постороннюю музыку.

Как известно, и для Дюма в его романе, потом переделанном в пьесу, и для Верди, который замыслил «Травиату», эту пьесу посмотрев, за выдуманными коллизиями стояли личные потери. Писатель потерял возлюбленную, блестящую куртизанку Мари Дюплесси, погибшую от чахотки, у композитора рано умерла любимая жена. Вскрыть подлинную боль, рану, лежащую у истоков мирового шлягера, — вот что удалось создателям спектакля. В первую очередь Жюдит Шемла, уникальной актрисе, сумевшей сыграть и спеть Виолетту, освоившей скачки от вокала к речи и обратно, переходы от итальянского языка к французскому. Созданный ею образ набирает объем за счет литературных и документальных вставок. Так, в конце первого акта после признания Альфреда, в полном смятении, боясь и в то же время мечтая поверить в любовь, Виолетта в спектакле Лазара отправляется бродить по ночному Парижу. У моста через Сену она встречает гадалок, читающих ее судьбу по руке и придирчиво осматривающих ее наряд — кольцо, подарок Ференца Листа, мантилью от Дюма, — смешная, выдуманная актерами сценка. Сразу вслед за ней идет сцена эксгумации трупа Маргерит Готье, разумеется, отсутствующая в опере, но в романе данная в самом начале: убитый горем Арман (в опере Альфред) мечтает о странном утешении — последний раз взглянуть на полуистлевшее тело возлюбленной. Жутковатое описание увиденного дано зрителям в титрах. Читатель романа, сходу получающий эту картинку, уже не может от нее избавиться и смотрит на приключения Маргерит немного другими глазами. Режиссер возвращает в оперу этот элемент. В паузе между вторым и третьим актами также титрами идет перечень вещей Мари Дюплесси, выставленных на торги после ее смерти, — реальный документ, датированный 24 февраля 1847 года.

Биографическая подоплека и вымысел постоянно переплетаются, усиливая тему обреченности Виолетты, скорой гибели ее красоты и счастья. Она звучит уже в подзаголовке спектакля, фразе из письма Жермона к героине — «Вы заслуживаете лучшего будущего». Эта возможность иной жизни, чистой и полной любви, мерещится Виолетте повсюду — она могла бы быть непорочной невестой, как сестра Альфреда, или его будущей женой, которой она просит показать свой портрет. Но все это неосуществимо: выход из тени на свет ночному созданию заказан. «Как бы я ни любила, мужчины всегда будут безжалостны», — говорит она Жермону. Актриса настолько убедительна, что вдыхает жизнь даже в такую фразу. Рамка ходульной оперной драматургии заполняется подробным психологическим рисунком.

Опера расширяется и за счет включения исторического контекста. «Интересно проследить за тем, какие фантазмы витали в воздухе в эпоху создания произведения, впустить их в спектакль», — говорит Лазар^[6]. Поэтому бал в первом акте решен как опиумная вечеринка, где гости неистово скачут, хохочут, предаются грезам в полной темноте, путаясь в огромной белой сетке, накрывающей сцену (сценография Аделин Карон). А в конце второго акта, на очередной вечеринке у Флоры, появляется доктор Давид, прообразом которого послужил знаменитый анатом Рене Лаэннек, изобретатель стетоскопа. Будучи еще и флейтистом, Лаэннек записывал нотами шумы, услышанные в легких у пациентов при помощи нового прибора. Деловито расфасовывая галлюциногенные пилюли для собирающихся гостей, Давид стращает Флору рассказами о своих опытах в анатомическом театре. А та, в свою очередь, делится впечатлениями от фотосъемки, новинки последнего сезона.

Задаче превратить «Травиату» в интимную историю отвечает и работа с музыкальной партитурой (Флоран Юбер и Поль Эскобар). От оркестра остается лишь восемь музыкантов без дирижера, в том числе аккордеонист и трубач, так что вся музыка переаранжируется для смеси классических и джазовых инструментов. Музыканты не просто постоянно находятся на сцене, но принимают участие в действии как актеры, а кроме того поют партии хора. Традиционная оркестровая машина распадается, таким образом, на отдельные голоса, которые превращаются в полноценных персонажей: труба ухает, заводя танцующих в сцене бала, а кларнет плачет по угасающей героине в прелюдии к последнему акту. Но и актеры не уступают музыкантам в многозадачности — Жюдит Шемла аккомпанирует признанию Альфреда в их первом дуэте «Un di, felice, eterea» сначала с иронией, но постепенно становясь все серьезней. А Жером Билли в роли Жермона наигрывает «Вещую птицу» Шумана, когда впервые появляется на пороге беззаботного деревенского дома влюбленных.

Между актами партитура Верди наполняется длинными паузами: впустить воздух в оперную машину — этого хотелось авторам спектакля. Иногда начатая музыкальная фраза договаривается самым прозаическим тоном. И наоборот — голос в момент эмоционального напряжения вдруг взмывает к высокой ноте и выпевает каденцию. Перекрестное опыление вокала и речи и здесь очень занимает Лазара. Конечно, голосу Жюдит Шемла не хватает мощности и лоска профессиональной певицы, но эта шершавость, несделанность выходит очень живой. Среди моря цветов и сухоцветов, украшающих сцену, в камерном пространстве театра «Буфф дю Нор» с его великолепной потертостью ей самое место. Когда‑то в этом же зале, так же упраздняя границу между оперой и театром, Питер Брук поставил революционную «Трагедию Кармен». И «Травиата» Бенжамена Лазара идеально наследует этому легендарному спектаклю.

^[1] Все это описано им в книге «Барочное слово» (Eugène Green «La parole baroque», 2001), вышедшей вместе с CD, где Грин исполняет на разных языках фрагменты из Корнеля, Расина, Тассо и Шекспира.

^[2] Так, например, les bouteilles произносили как «лес бутельес», haut как «хот», pourquoi звучало как «пуркуэ», а rien как «рьен». Такое архаичное произношение частично сохраняется сегодня в квебекском французском.

^[3] http://agon.ens-lyon.fr/index. php?id=1056

^[4] https://www.youtube.com/ watch?v=gZj28vR8cC4

^[5] http://oteatre.info/troyantsychernyakova/

^[6] Théâtre/public №228 — La scène lyrique, échos et regards, Р; 2018, стр. 43

%d0%bf%d1%80%d0%b5%d0%bb%d1%8e%d0%b4%d0%b8%d1%8f+%d0%bb%d1%8e%d0%b1%d0%b2%d0%b8+%d0%b2%d0%b8%d0%b4%d0%b5%d0%be, смотреть бесплатное видео онлайн